時間：2022-04-26 14:22:11
緒論：在尋找寫作靈感嗎？愛發表網為您精選了8篇色彩藝術論文，愿這些內容能夠啟迪您的思維，激發您的創作熱情，歡迎您的閱讀與分享！
1.現代藝術設計在以經濟發展為主當今時代，其藝術設計作品也已脫離單調的物品形式，逐漸成為具有國家性、民族性、地域性的文化特征2，反映當今時代不同國界、不同地域的民族文化特色及審美形態。具備了美學原理和文化象征的現代藝術設計，也已經從多方面融入到現實生活中的各個領域中，從不同方面表達了當代人們的社會生活形態及意識。同時，在科技迅速發展的今天，現代藝術設計極易受其影響，并建立在此基礎上進行藝術設計工作。科技的發展為現代藝術設計提供便利，但也會在較大程度上限制人們對藝術作品的構造形式和創新思維。
2.民間美術色彩民間美術存在于中華民族的傳統文化中，體現了以勞動力為主的老百姓在勞動、生產之余通過結合現實與想象而創造的一種反應生活的藝術形式，這種藝術形式體現了人們樸實、溫馨、自由的思想和民俗民風，是民族最具特色及本土文化精神的組成部分。民間美術融想象和現實、精神和物質、審美與實際為一體，不僅選擇性保留了原始藝術的特質，也是民族傳統文化的基本特性的載體，因此，多數或高雅、或淳樸的文化，均以此為基礎發展而來3。民間美術色彩是裝飾藝術產品的主要形式，來源于生活中人們本能性的審美習慣和審美準則，因而具有自由、自然的特點。民間美術色彩的應用，基于人們對現實生活的體會，也是現實生活的升華，因此其作品所體現的色彩較為鮮艷且自然，人們偏向于選用鮮明且對視覺具有強烈沖擊性的色彩，以使作品真正體現旺盛的原始生命力。
二、現代藝術設計與民間美術色彩的結合
1.民間美術色彩是現代藝術設計的本源民間美術色彩在民間的傳承歷史久遠，在缺乏豐富物質的民間，不斷地補充著勞動者心靈的空缺，蘊藏著中華民族傳統文化最根本的內涵。民間美術色彩的主打顏色是大紅色，此外在色彩的選擇中均與主打色一樣充滿原始和強烈的生命力，淳樸與自然的藝術魅力，且奔放而又不失婉約，在中華民間歷史長河中不停地散放光彩、充實平民百姓的精神世界。因而在充滿競爭力、物質化、科學性的現代藝術設計中，民間美術神秘的色彩必定成為最寶貴的源泉和靈感，即是說，民間美術色彩是現代藝術設計的本源，二者之間存在必然的聯系，沒有民間美術色彩作為基奠，現代藝術設計作品只是外表華麗的一副空殼，無實在意義。
2.民間美術色彩為現代藝術設計提供想象空間民間美術的豐富多樣，不僅為現代藝術的設計提供了源源不斷的靈感，同時也有很大的啟發作用，從多個層面及多種角度拓展了現代藝術設計的創新意識和想象空間。例如民間常見的美術作品窗花，勞動人民通過與實際生活、豐富想象及心靈手巧的結合，巧妙地構造并剪裁出極具藝術氣息又貼近生活的作品。美麗的窗花中，不僅體現了勞動人民的智慧，也體現了勞動人民豐富的聯想和想象，這些方面很好的為現代藝術設計提供了獲取創造力和想象力的技巧。民間美術色彩促使人們注意觀察生活，結合現實拓展思維想象力，完美的現代藝術作品需要民間美術色彩提供更豐富的想象空間。
3.現代藝術設計與民間美術色彩具有共通性現代藝術設計與民間美術色彩之所以能夠完美的結合，離不開它們之間存在的許多共通性，現代藝術設計需要鮮明的民間美術色彩來進行強而有力的補充。民間美術極其重視色彩的搭配和應用以及其中蘊涵的意味，并崇尚豐富多彩的視覺效果，因此受到了較多社會文化環境及文化意識的影響。現代藝術設計中，色彩是必不可少的成分，是補充藝術作品美感的最重要的視覺因素。現代藝術設計需要借鑒和應用民間美術色彩的寓意性和象征性，在社會歷史文化觀念的基礎上，汲取其精華，更完整地將色彩表現于現代化藝術設計作品中，所以，兩者之間色彩的選擇存在共通性。此外，在民間美術中，人文精神無處不在，勞動人民對生活和生命的熱愛、對未來的向往和愿望，無不通過色彩使之體現。而隨著科技的發展和網絡時代的到來，現代的藝術設計與人類本質屬性漸行漸遠，容易將這一點忽略。因此，在現代藝術設計的作品中，應該注重藝術與人文情懷的結合，民間美術色彩所表現的具有重大價值的人文內涵，也是現代藝術設計最應具備的。
三、小結
（一）主觀性色彩具有主觀性
荷蘭后印象派畫家文森特·梵高是表現主義的先驅，可以說他是主觀性色彩的創始人，其油畫藝術作品中，色彩表現具有強烈的個性特征。在他的作品中能夠強烈地感受到畫家在創作過程中的內心情感。例如1890年創作的油畫作品《烏鴉群飛的麥田》被稱為是梵高的“絕命書”。整幅作品畫面色彩鮮明而強烈，綠色的小路在大片黃色的麥田中伸向遠方，烏云密布的天空壓抑著金黃色的稻田，流露出陰郁與不安，讓人感覺空間凝固，無法喘息。低飛的烏鴉以及狂暴跳動的筆觸增強了壓迫感與反抗感，讓騷動的畫面增添了激動、振奮與不安的情愫，整個畫面被蒙上了一層緊張與不祥的預兆，充滿著恐怖、不詳的感覺。畫面中沒有表現出自然物象真實色彩之間的對比關系，卻表現出畫家本人內心的思想與情感體驗，而這極具個性的藝術語言，成功地使整個畫面獲得了強烈的視覺表現效果與精神感染力。法國畫家、野獸派創始人亨利·馬蒂斯認為，藝術創作色彩的選擇應該是以創作者個人觀察感受的經驗為基礎，色彩表現的目的是表達創作者的情感意識，而不是復制客觀存在事物。
（二）主觀性色彩具有象征性
色彩因聯想而具有象征性，紅色能夠聯想到火與血；黃色能夠聯想到太陽；藍色可以聯想到海洋、天空等。不同的色彩能夠令人想到不同的事物。然而，色彩不僅能夠象征不同事物，還可以象征一些抽象意義的概念，比如精神信仰等。在油畫藝術創作中，色彩的象征性特點表現得尤為突出，并且為藝術家提供了更加廣闊的油畫藝術創作的空間。與塞尚、梵高合稱后的印象派三杰——法國后印象派畫家保羅·高更就是一位善于運用象征色彩來進行油畫藝術創作的優秀畫家，其代表作之一——《雅各與天使的搏斗》看起來像是宗教題材的作品，實際上是以象征主義為特點，運用紅、藍、黑和白色組成的畫面。整幅作品顯得十分神秘，運用強烈的對比與大面塊的設色。而這種獨特的色彩選擇與結構安排使得畫面表現內容極具象征特性。
（三）主觀性色彩具有表現性
德國畫家、思想家約翰·沃爾夫岡·馮·歌德曾經對色彩與人的關系進行闡述，并從人的心理與情緒的角度進行分析，他認為色彩可分為主動色彩與被動色彩，能夠傳達出人們內心積極或者是消極的情緒，這也就是色彩的表現性。在油畫藝術創作中，客觀描摹對象的色彩不是用來被復制的，而是使之升華用于表達情感。
（四）主觀性色彩具有裝飾性
畫家在進行藝術創作活動過程中，為了充分表現自身的情感體驗，往往采取平面性、秩序性的手段將貌似簡單的各種色彩有規律地組合在一起，形成線條與面塊，將畫面中的色彩元素進行分割或者是重疊，利用點、線、面的相互映襯，使得畫面內容豐富且生動起來。如高更的作品《塔希提婦女》，畫面中描寫的對象沒有立體感，而是用近乎是平涂的手段，使畫面產生一種原始的韻味。畫中盤里鮮紅的水果色彩與人物赭石、紅棕的色彩，以及人物腰部裙衫的蘋果綠與深黑等色彩形成了鮮明的對比。再如一直追求藝術探索的馬蒂斯，其曾經從東方藝術中汲取了繪畫表現手法以及平面的表達手段，使畫面極具裝飾感。
（五）主觀性色彩具有節奏性
繪畫藝術如同音樂一樣，能夠表情達意，抒發內心情緒。內心情感的迸發表現在油畫創作中，借助色彩冷暖與明暗的表達，就形成了富有思想和靈魂的節奏。如同俄羅斯畫家瓦西里·康定斯基創作的一系列作品，其畫面中所表現的內容充滿了節奏感，并且是伴隨著創作者的情感波動而產生變化的。其作品《在褐色中展現》描繪了一個人從呈褐色微暗的室內登上向外的臺階的情景，當門打開時便出現了明亮的光，顯然這個人走向了光明。畫面中褐色與白色的面塊相互映襯，明亮與灰暗之間巧妙地產生了不同的節奏，同時又清晰地表達出創作者的內心情緒。
二、在油畫創作中對主觀性色彩運用的思考
（一）油畫創作主觀色彩的產生源于創作主體的藝術個性與藝術感悟
在油畫創作中，主觀性色彩的運用就是創作者藝術個性表現的重要表達方式與手段。而油畫色彩語言是由不同創作主體來決定的。不同主體的主觀性會創作出不同的色彩語言形式。主觀性色彩是創作者藝術個性的體現，而藝術個性也代表著主體對客觀描繪對象的主觀性認知。因此，主觀性色彩與藝術創作者的藝術個性是一致的。在具體的創作過程中，繪畫作品中的主觀性色彩體現著創作者的個人審美、個性特征與思想情感。如同有的藝術創作者喜歡意象表達、有的喜歡象征主義、有的偏愛表現主義一樣，不同的創作主體的自我情感與精神不同，因此在藝術創作中，其對于色彩的運用也就有著不同的內涵與意義。
（二）油畫作品中主觀色彩的產生是創作者在創作中的主觀思維表現
主觀性色彩在油畫中是創作者主觀性的直觀展現。在油畫創作中，雖然藝術表現的內容是客觀性的，但是形式與色彩卻是主觀性的。客觀存在的表現內容是藝術家創作的基礎，而主觀性的色彩表達就是要將其中蘊含的美表現出來，并使之升華為藝術美。油畫作品的主觀性色彩就是創作語言的主觀性，其與創作者的主觀性一致，是藝術家在具體的創作過程中主觀思維的藝術化體現。在實際的創作過程中，藝術創作者的主觀性思維體現在多個方面。首先，在繪畫內容上，不再像以往那樣按照主題來進行創作，藝術家可以根據自己的喜好來決定題材，只要是感興趣的題材都可以進行創作。其次，繪畫創作材料與技法的主觀性。伴隨著時代的進步以及科技的發展，各種各樣的材料都可以作為藝術家進行繪畫藝術創作的工具。在現代舉辦的很多畫展中，很多優秀的繪畫作品很難看出是什么樣的畫種，卻同樣具備很高的藝術價值。再次，繪畫形式上的主觀體現。以往的繪畫創作都有條條框框的規定，需按照規則進行作畫，然而在今天的繪畫創作中，很多藝術家已經突破了固有形式，拋開觀念上的束縛，創作出了屬于自己的畫作，有著自身獨特的表現形式。色彩是油畫藝術創作的基本構成元素，其本身就帶有非常強烈的主觀特征，但是因為有不同的表達方法，色彩又有了主觀與客觀之分，而現代藝術家們在油畫藝術創作中，越來越多的表達出自己內心情感世界與精神世界，在畫面中有意識的去構建屬于自己的色彩規律，尤其是帶有寓意以及象征性的色彩語言，成為繪畫作品的主體色彩。
（三）情感與精神是主觀性色彩的核心
（一）16世紀——文藝復興時期油畫色彩的光影與明暗
這一時期的油畫色彩突破了以往繪畫形式的色彩語言，進行了大膽探索，畫家們喜歡表現大自然的壯美遼闊、天光一色的景象，畫面光線耀眼，奔放揮灑，帶有強烈的戲劇性和主觀性色彩。比如，康斯特布爾將自身對于田園風光的主觀親切感融入到用色中，在其代表作《山谷農田》的爛漫影色中可以清晰感受到畫家對自然的主觀感受。由于油畫的調色媒介是亞麻子油，干得較慢，這一時期的畫家可以在顏料未干時對畫面色調加以修改和調整，或采用古典多層染法，營造色彩的層次感。16世紀的名作《蒙娜麗莎》中，達芬奇通過對遠景施用藍綠色調來陪襯蒙娜麗莎美麗的膚色，并運用漸隱法使色彩近暖遠冷、遠虛近實增加了畫面空間感。這一時期的畫作以利用光和影描繪人物為主要表現手法，使得畫面形象的立體感大大增加，實現了“強烈光照下真正的色”。16世紀的畫家們信奉受光的色彩，投影和暗部的色彩只是作為輔助色或偶然色出現，用色的總體原則是通過色彩表現主體的受光部，暗部則少用色彩。很多畫家在表現山、樹等遠景的油畫中采用“色彩透視法”，即用淺藍、紫藍、藍綠畫遠景，越遠越淡。除此之外，畫家們還用黃、金黃、土黃等黃色系營造受光部的聚光效果，力求展現光照下“真正的色”。這種程式化的“空間層次”色彩表現技法一直沿用到17世紀。
（二）19世紀——印象主義時期色彩的瞬間閃爍
19世紀德國自然科學家、詩人歌德發表了著作《色彩論》，創造性地將色彩劃分為冷暖色系，并賦予其正負的抽象表情。正色即暖色，紅、黃、綠代表喜悅和明朗，負色即冷色，藍、紫等代表膽怯、憂郁，這種理念成為了19世紀油畫色彩的先驅。這一時期油畫色彩運用的杰出代表是印象派。印象派畫家通過細心捕捉大自然色彩的瞬間變化，使色彩從16世紀的光影和明暗中解放出來。這一時期的點彩油畫暗部色彩處理極為透明，用筆也更加隨意，通過對或冷或暖的中間色的運用，使得畫面呈現出閃爍的感覺，這一技法突破了古典畫法明暗色階對色彩的捆綁，展現出色彩律動的光感，畫面更為活躍、即興。印象主義時期，油畫色彩的生命感被畫家們用來表現象征意義，高更就是19世紀善用色彩象征性的代表，其畫作《亡者的靈魂注視著》中，暗紫色背景、墨藍色圍裙等象征死亡的暗色調與黃色床單形成鮮明對比，這種色彩的象征性使得畫面充滿神秘陰郁的死亡感。到了19世紀后期，以梵高為代表的后印象主義畫家更加追求色彩的象征性和主觀性。他的《向日葵》中，檸檬黃、鉻黃、橙黃等純黃色系的應用與藍色背景形成鮮明對比，流動、激情的筆觸和用色形成了結實、奔放的油畫風格。另一位代表畫家塞尚的油畫色彩風格更為理性，他不僅利用色彩的明暗展現體積感，還通過冷暖色彩加強事物的表現效果，這種嘗試引發了立體主義的興起，對后世產生了深遠的意義。
（三）20世紀——野獸派時期色彩的自發、本能和情感
20世紀，色彩的力量在野獸派的畫作中找到了最直接、最強烈的表現形式。以馬蒂斯為代表的野獸派畫家們本能地、自發地宣泄著色彩表現力，他們熱衷于運用鮮艷、濃烈的色彩展現畫面的裝飾性。注重色彩引起的人們的生理、心理反應是這一時期色彩表現革命的突破性觀點。馬蒂斯認為，色彩可以獨立于油畫的客體之外，呈現出影響欣賞者的情感力量，畫家們認為單純色彩的運用影響力更為強烈——藍色攝人靈魂、紅色影響血壓，甚至有的色彩拼接會惹人憤怒。通過對畫面主體色彩的歸納、取舍以及各種純粹的紅與綠，藍與橙，紫與黃的對比、分割、穿插、滲透，使畫面更為均衡，空間更為自由。以表現性著稱的野獸派更加注重色彩的裝飾性，畫家們致力于通過色彩的搭配和并置，展現色彩的節奏與韻律，創設畫面的裝飾感，還借鑒裝飾畫和壁畫的用色方法，依靠色彩對比形成畫面視覺沖擊力。如德蘭的油畫《倫敦橋》通過大塊不同色調的強烈對比展現了畫面強烈的視覺沖擊力和裝飾性，加強了作品的藝術感染力。
二、西方油畫藝術中色彩的藝術特征
西方油畫色彩經歷了以上三個重要的歷史時期后，確立了獨特的藝術特征，下面筆者就將詳細闡述西方油畫色彩主觀性、象征性和裝飾性三個藝術特征。
（一）西方油畫中色彩的主觀性
西方油畫色彩的主觀性是指區別于客觀事物本身的色彩，是畫家根據畫面美學需要和繪畫主題對色彩進行的二次創造，這時的色彩已不再是自然物象色彩的客觀反映，而成為一種表達特定精神內涵以及主體思想情感的個性藝術語言。例如，塞尚的油畫通過色彩結構的重組以及塊面、色域的冷暖漸變，使作品和現實拉開了距離，流露出了畫家的情感體驗，從而使色彩煥發了精神。又如，后印象派代表畫家梵高更加重視色彩的表現力與象征性，通過主觀性色彩的巧妙運用，將內心熱烈而又質樸的情感表達了出來。到了以表現性繪畫為特色的野獸派，油畫色彩成為完全主觀的表現手段，成為構建畫面空間感和情感氛圍的主體。用色彩表現精神是近現代西方油畫的主要特征之一。色彩主觀性特點在油畫各個流派中都有運用，除了在后印象主義、抽象主義及主觀主義等流派中可以尋到其足跡外，還能在許多具象油畫作品中看到其表現。例如，現代派最具影響力的畫家畢加索就很好地表現和運用了色彩的主觀性這一特點，在他的作品中藍灰色調通常用來宣泄頹廢、苦悶的情緒，再搭配線條和色塊組成的韻律，流露出憂郁、傷感的情緒。
（二）西方油畫色彩的象征性
早在原始社會人們就有了對色彩的認知，之后西方宗教繪畫中的色彩又被賦予象征性，而且色彩象征性已不單單指象征事物，還指色彩象征抽象的意念。在近現代油畫作品中，色彩象征性還常被用來表達特定的意圖，或是明確畫面的色調關系，深化整幅作品的主題，因而成為畫家們表達色彩語言的主要途徑之一。例如，被譽為印象派三杰之一的高更就擅長運用象征性色彩，在其代表作《雅格與天使搏斗》這幅作品中，高更將對比用色發揮得淋漓盡致，表達出他豐富的想象力和敏銳的洞察力。作品中用強烈的橙紅、亮紅色調描繪遠方天國環繞的幻影，用躁動火熱的色彩象征雅格與天使格斗時緊張激烈的氣氛，突出了拂曉時分雅格于天國四處捕殺天使的緊迫性和真實性，這種象征意義的選取，凸顯了繪畫的效果。而在《美麗的恩其拉》中，高更又展示了另外一種情調，他將完全按照色彩結構要求修飾著形的肖像創意性地安置在虛幻的圓圈里，賦予人物一種超自然的色彩，然后在左側描繪出一尊模糊的佛像，橘紅帶綠的顏色象征了東方神秘主義，整幅作品通過色彩的象征性表達了奧妙無窮的神秘之感。
（三）西方油畫色彩的裝飾性
民間美術藝術承載著來自古代的文化、哲理、審美、民俗等多方面的集合，是中國歷史文化的瑰寶，呈現出色彩斑斕的賦色體系和豐富的文化內涵，并以富有深意的造型和充滿地方特色的材質代表了某一時期某一地域內呈現的人文環境。民間美術藝術也因文化中心的多次遷移而表現出多層次、多元化的現象。在國內，對于民間美術的分類也有多種看法，如李錦璐先生在《對民間美術的一些認識》中進行的分類，包括：“日常活動、節日活動、祭祀活動所表現出來。”而鄧福星先生則在《論民間美術》中將其歸為：“供奉、宅居、服飾、器用、貼飾、游藝等六類。民間美術的分類繁多，工藝也各有千秋，在人們日常生活中的各個部分都有所表現。小到陶瓷玩具、剪紙、刺繡，風箏。大到雕塑、泥塑、建筑石刻，還包括一些特色的小吃玩意兒：糖人、面花面點等。它美化了物品的功能，并賦予它們新的審美意義，全方位的體現了當時社會環境下人民生活的現狀。
二、美術設計中可對民間藝術的選用
（一）民間色彩
我國的民間美術具有悠久的文化歷史和人文內涵，其在色彩的選用上更是五彩斑斕，富有深意。就像瑞士心理學家卡爾．瓊曾說的：“色彩是潛意識的母親，它可以喚起人們早已忘懷的記憶和情感。”奇妙的色彩語言在民間美術中的運用凸顯藝術的文化性，是創作者與受眾進行交流對話的語言形式之一，具有裝飾、象征、寄托等多重功能。民間色彩的應用不是純粹的隨心而定，根據情感來搭配，而更多的是在生產活動與社會交往中形成的一些定式方向。如古人在色彩觀念中形成的陰陽五行說和趨吉避兇的世俗心理，或是對單種顏色的色彩崇拜。現代社會是視覺時代，而色彩在視覺中帶給人更多的情感導向，讓人在第一感官中產生或明快，或沉靜，或絢麗，或素雅的印象，與人們的生活緊密相連。服裝的顏色、建筑的顏色、商品的顏色甚至是整個城市的顏色基調，很大一部分都需要色彩的仔細搭配。美術設計作為以視覺為主的藝術設計形式，更需要來自民間色彩搭配的借鑒。
1、單色崇拜
人類對色彩的最初認識就是從單色開始的，根據科學調查，人類從嬰兒時期開始識別黑白兩色，也就是說從出生開始到4月后，人眼中的世界從主觀認識上是如同黑白電影一般的，到后來隨著各項身體機能的成長才逐漸識別到其他顏色。而黑白兩色的簡單搭配，也被賦予了“一生二，二生三，三生萬物”的八卦變化。“夏尚黑、殷尚白、周尚赤”，到了秦朝，秦始皇統一六國之后認為：“今秦變周，水德之時。昔秦文公出獵，獲黑龍，此水德之瑞。”于是秦更命河曰：“德水。”“以冬十月為年首，色上黑，度六為名，音上大呂，事統上法。（《史記•封禪書》）”又回到了黑色崇拜。人們對某種顏色的喜愛似乎代表了某個時代的特殊印記，確又在歷史的前進中周而復始。在現代美術設計中，設計師總是利用色彩的視覺沖擊來吸引觀者的注意，而單色所彰顯的精煉感能帶給受眾更豐富的內容和更強的沖擊力，對主題所要表達的情感以簡單直白的形式呈現給大眾。民間色彩中所流露出的簡潔、鮮明、響亮讓現代美術設計增加幾分“少即是多”的美感。一來可以表明藝術品的整體基調，二來通過人們對民間色彩含義的某些固定印象，完成對信息的傳遞與輸出。
2、五彩彰施
從單色到五色，人們將顏色與陰陽五行學說結合在了一起，成為認識天地、自然與與神靈相接的重要思想。我國傳統的五色是指：“青、赤、黃、白、黑”，與古代樸素的唯物主義理論“五行說”相對應，如董仲舒在《春秋繁露．五行之義》中所提到的：“木居左，金居右，火居前，水居后，土居中央。”就是將五種顏色配以五行的對應說法。因為五行之說是相生相克的，所以在顏色的搭配上也有諸多的可與不可。民間美術色彩的對比從色相上來說跨度很大，而且多使用補色、冷暖對比，顯得較為濃烈或夸張，極具表現力。如在民間木板年畫的色彩應用中，為了讓整個色調更加有節日的喜慶效果，用“紅配黃，喜煞娘。”等搭配方式，讓紅色從側面引發人對火的聯想加上黃色的亮眼，無形中就將我國傳統節日的氣氛表現了出來。現代美術設計過程中，充分借鑒民間色彩搭配，能對文化內涵有更深刻的認識，如一些復古的服裝服飾，將現代工藝之美搭配上民間色彩的絢麗，創造出極具本國特色的民族服飾。又比如在廣告設計中加入各種民族色彩標簽，將城市所象征的顏色作為某種文化輸出，實例是北京的出租車就將黃色作為基本色，與北京“皇城”的身份相匹配，然后選擇四方的八種色，代表祖國的四面八方。
（二）民間藝術造型
民間美術作為一種造型藝術，呈現給大眾的不僅僅是奇特、寬博的造型方式，同時也包括了在進行這項運作時所剖析到的創作手段、社會背景、文化內涵、民族情懷等等。藝術造型是千人千面的，極富有想象力和主觀能動性，但會通過相互影響而在某一地區形成獨特的定勢。但從創作的思維方式上來說，中國民間藝術造型也與世界其他國家的藝術造型有共同點，如法國、蘇聯等地出土的“豐產女神”像與我國遼寧紅山文化女神裸像有異曲同工之妙。就像一位先哲所說：“人類趟過的是同一條河流。”即便如此，各個地區的人民也因各種因素的影響，還是呈現出多元化的藝術狀態。中國民間造型藝術迎合著古代歷史文化的潮流，展現出不同尋常獨特的魅力。“以大為美”、“以生為本”、“對稱性特征”、“造型的完整”是本國民間藝術造型的幾項特點，也為本國的各類造型藝術提供了豐富的涵義，如比喻剪紙中出現的“雙魚石榴”、“蓮花娃娃”，泥塑中出現的“虎頭帽”、“豬頭鞋”等等，都從坦誠的反映出民間勞動者對生命、自然的真摯情感。在現代文明高度發展的今天，我們越來越開始關注文化的民族性和本土化，在諸多的現代商品中，在功能作用得到極大滿足的前提下，人們逐漸返回到對產品的傳統性、手工性及自然感的關注，如一些以現代人物、生活為題材的新年畫報又重新回到了人們的生活中，還有一些傳統造型的商品以新材料仿舊制造后又成為人們的陳設把玩。現代美術設計在點、線、面的分割組合中需要圖形本身包含的涵義和文化來支撐。
三、結語
關鍵詞：電影，美術，色彩設計
一、引言
隨著數字化時代的到來，數字視覺開始越來越多地應用到影視制作當中，傳統電影美術的制作方式和創作觀念受到前所未有的沖擊，并且，隨著視覺類型電影制作方式的日益完善，傳統電影美術與數字化電影美術的歷史性跨越日益顯著。電影美術作為電影主創之一，就其本質而言是造型藝術的一種，但從時空角度來看，電影美術不是瞬間攝取的靜態造型藝術，而是運動著的立體造型藝術。
二、電影美術的內涵
電影美術是指在文學劇本的基礎上，對影片的可視化形象進行創作的造型藝術。電影美術主要是通過影片總體造型設計、場景空間設計、人物造型設計等方面來表達邏輯思維進而實現形象思維，它直接決定了一部影視作品的美學表達與藝術內涵，對影視作品的造型起著決定性作用與影響。雖然，電影美術是與自己的母體美術是緊密聯系在一起的，但是美術和電影在本質上是完全不同的藝術，具有不同的藝術形態。美術的藝術形態特征是物質媒介的二維或三維的空間性，電影則是時空藝術，它的形態特征是既有空間維上的造型性，又有時間維上的運動過程。美術不受物質世界的時間性約束，電影則兼有空間的二維性和時間的一維性。
三．電影美術的創作要素
電影美術是專門為影片造型進行設計和制作的一種美術創作，直接影響影片的藝術水準的成功與否。wWW.133229.coM電影美術不同于一般繪畫創作，美術一進入電影就改變了它原來那種獨立創作的特點，而使自己成為電影這一綜合藝術的重要部門。電影美術創作的過程涵蓋場景設計、環境與個性的設置、氣氛的營造和影調及色調的確定。
首先，電影美術師應該與攝影、演員等共同合作在電影導演的總體構思下，完成影片的造型表現。在設計構思階段，電影美術師要尋求一種途徑，一種方法和形式，最完美地將劇本中的抽象文字和導演的意念化的構思，轉化為具體的形象表現出來的人，并且與導演、攝影等創作人員共同完成最終銀幕空間形象化的影象。其次，電影美術師應該設計和制作出符合電影主題，具有生活氣息、有時代特征的景、物和人，以使電影藝術產生情景交融的藝術效果。電影美術設計為人物的行為提供“典型環境”，交代故事發生的年代、地點、時間，也能在一定程度上體現人物的身份、職業、性格和思想，顯示一定的個性、習慣和愛好。當然，電影的美術造型是必不可缺的，影片中景物的個性源于兩個條件：人物個性和所處的規定情境及創作者的選景態度，即怎樣使它以最有力的影像浮現在銀幕上去感知于觀眾。再次，電影美術師應該營造良好的氛圍來凸顯電影的主題。氛圍是特定生活中彌漫于人們周圍特定的空氣狀態，在表現銀幕氣氛中起著重要的作用。氣氛相對環境而言是更重要的，環境只能客觀地表示劇中人的所在地，卻不能表現當時劇中人的心情變化，而氣氛則尤能反映和烘托人物心情的變化。最后，光和色是電影造型中極重要的元素和手段。光與色是在影片的時空流動中展現其生命，并以個性顯示影片造型所表達的情緒、意境和風格。影調和色調和影片的樣式是密切相關的，是其具體造型的體現，當美術師出于對未來影片樣式的理解，試圖尋求影片造型的整體基調時，他必然思考這兩方面的問題，也必須對這兩方面作出藝術的安排。
四、以《英雄》為例探討電影美術的色彩設計
隨著數字時代的到來，視覺型影視越來越受到觀眾的喜歡，在未來的影片中，美術師首先接觸到的就是色彩和色調問題，他要從影片整體造型角度處置色彩使其整體上和諧統一。影片的基本色調本身就具有意義，影片的色彩也就是貫串全片的線索，下面以張藝謀導演深入人心的《英雄》來側重探討電影美術的色彩設計。
《英雄》影片中人物服裝色彩設置上就獨具匠心。秦王在影片中自始至終是單一的深重黑色，與秦王宮殿鐵黑色調渾然一體。無名穿著黑裝依照秦國律例至秦宮殿受封獎，與秦王“十步”之距對飲，秦王、無名、長空、秦劍客等服色在黑色純度和亮度的設計上則依次由深重至淺淡，這種構成符合秦尚黑，并寓意黑的權威和政治影響，也暗示一種對秦政的不滿與反抗。殘劍、飛雪、如月的衣裝色彩純度高、色澤鮮亮，質體輕薄，雖靚麗飄逸卻敵不過黑奮的威重力量。除了黑色，《英雄》中還有其他多種色彩表現。在《英雄》中，無名給秦王編造的殘劍飛雪故事的基調是紅色的，反映出無名潛意識中刺秦的激情，他那冷靜的外表下掩蓋著報仇的血性和血氣，想象中即將出現的刺秦場面使無名眼中的世界充滿了鮮紅的像血一樣濃烈的色彩，此時秦王眼中和無名看到的色調是一樣的，充滿了血紅的仇恨和殺氣。而當秦王發現了無名的真實意圖時，他想象中的一切都籠蓋上了寂靜的藍色，因為他所面臨的絕境使他不得不極力使自己鎮靜下來，用理性和智慧來超越對死亡的恐懼。殘劍給無名講述的故事時，柔和的綠色成為敘述的基調，一方面它展示了殘劍給無名講述時那種超脫仇恨，回歸到寧靜、博愛、真樸的心境，另一方面也反映了無名向秦王轉述時悟出的那種渴望和平，不要戰爭的心態。
總之，電影《英雄》是一部由紅、藍、白、綠、黑等多種色調來講述的故事，它的情節的感人之處不在于故事的大起大落，而在其細節的精致和典麗，色彩和畫面的視覺統一在《英雄》中得到了淋漓盡致的表現。
五、結語
總之，色彩在影片中，不僅是純粹電影化的造型手段，而且還要構成電影的視覺語言形態，只有當色彩融合在影片劇作之中，形成電影劇作的色彩結構，并且本身成為劇作內容，色彩與影片的關系才達到了“化”的境界，電影色彩的意義也才能真正得以體現，色彩在影片中的生命品質才能得以存在。一直以來，影視藝術都是人們生活中不可缺少的藝術形式，隨著科技的發展，影視藝術逐漸成為一道亮麗的藝術風景，當然影視在我國的迅速發展離不開影視美術的重要貢獻，更離不開眾多的幕后影視美術工作人員，影視和美術的緊密結合必將帶動影視產業和美術藝術形式的絢爛盛開。
參考文獻：
[1] 金海靖.論中國新武俠電影的美術設計[j].北京電影學院學報.2005,(04)
[2] 宋軍.淺談電影美術[j].電影評價.2006,(10)
在視覺藝術中，色彩所呈現出的文化內涵遠遠超越了色彩原理本身，它更是藝術家內在精神氣質、心靈情感的流露與表達。色彩的演變過程不僅體現了西方藝術史的偉大變遷，同時也折射出藝術與科學、宗教、神學、心理學、醫學等文化領域的相互影響和滲透，具有跨文化性內涵。
一、從“色彩偏見”到“色彩解放”
――色彩演變的文化內涵
在上千年的西方藝術中，人們對色彩的認知經歷了從“偏見”到“解放”、從“客觀描繪”到“主觀表現”的文化演變。這種演變恰恰體現了西方藝術史由“再現”向“表現”、由“傳統”向“現代”的跨越，具有時代性的文化意蘊。
西方傳統文化藝術的發展源于公元前6世紀的古希臘時期，并在16世紀的文藝復興運動中達到了輝煌。從古希臘哲學家亞里士多德的“模仿說”到文藝復興奇才達?芬奇的“鏡子說”；從關注解剖學的研究到對透視學、明暗學的掌握，皆有力地推動了西方寫實藝術的發展，體現了追求真實與和諧的藝術審美準則。
西方傳統藝術在面對色彩問題上也形成了獨特的色彩法則，而這種色彩法則無疑是帶有一定偏見性的。一方面，人們認為在繪畫中素描永遠是第一位的，色彩只是素描的一種補充。另一方面，色彩的選擇應以表現事物的自然屬性為準。在以“客觀地再現自然”為宗旨的傳統審美準則中，色彩是否自然逼真無疑是評價藝術作品優秀或粗制濫造的永恒標準。
西方傳統藝術大師在色彩的運用和選擇上，也時常體現出這一傾向。文藝復興的達?芬奇、丟勒、曼坦納等人的藝術都以素描為主，色彩僅處于輔助和從屬的地位。米開朗琪羅在面對雕刻和繪畫藝術時，曾說“雕刻是繪畫的指導，前者是太陽，后者是月亮”。可見，他更偏愛線條而輕視色彩。19世紀法國古典主義大師安格爾認為色彩應服從于古典，并稱“素描才是藝術的真諦”。德國古典美學家伊曼紐爾?康德在1790年出版的《判斷力批判》中也對色彩做出了評價：“色彩自身決不能使畫更美。”這些都似乎向色彩下達了最后的判決書，“色彩這個結構的仆人，構圖的隨從，從此只能待在廚房里了”。①當然，，在西方傳統藝術中，還有眾多的色彩大師，如波提切利、提香、維米爾、庚斯勃羅等在色彩革新的道路上勤奮探索。
西方藝術史上對色彩的解放完成于古典藝術向現代藝術轉換的時期。當時的先鋒派藝術家以自己的理論和實踐逐漸改變著人們對色彩的認識。浪漫派大師德拉克洛瓦提出，畫家應“放棄一切現有的色彩”；印象派畫家讓我們體味到了大自然的純色組合；塞尚潛心研究、探索出“色彩造型”的方法，色彩取代了線條和素描的地位，成為繪畫的第一構成要素；高更在1888年也清晰地感受到色彩的表現力，稱“色彩能夠作為一種密碼來傳遞信息”；梵高更是借助色彩表現內心精神世界的一位高手。1905年的法國秋季沙龍展上，以馬蒂斯為首的野獸派藝術家鄭重地把解放了的色彩展現在世界的面前，色彩終于成為藝術王國里的自由公民了。
從“色彩偏見”到“色彩解放”，再到后來出現的“色彩至上”，人們對色彩的逐步認知體現出不同時代的文化特性，西方藝術中色彩“身份的轉變”不但標志著現代派藝術的粉墨登場，而且體現了色彩自身的潛在能量。色彩就像是一個先鋒家和鼓動者，不斷地挑戰著人類審美文化與藝術表現的邊界。
二、用色彩體味人生、詮釋情感――深化色彩的人文關懷
當色彩的功能從再現轉向表現，從真實模寫轉向情感表達時，色彩也開始逐步與人的情感、精神聯系到一起。在藝術的世界里，色彩可以承載藝術家的情感沖動、心靈體驗甚至神秘的幻想。這極大地豐富了色彩的性格和表現力，深化了色彩的人文關懷和文化內涵。
約翰?拉斯金曾說，“最純潔、最有創見的人是那些最熱愛色彩的人”。的確，西方現代藝術大師大都是色彩表現的高手，在他們的藝術圖譜里，色彩的力量總是最動人心魄的。
荷蘭畫家梵高擅長運用純色表現內心最深處的痛苦和激情。純粹的黃色是梵高藝術圖譜中的經典用色，著名的《向日葵》正是其黃色畫風的代表。黃色的向日葵被梵高賦予了一種神秘的精神力量和永不褪色的光輝，這滿眼的金黃色既是他熱愛生活、對藝術執著追求的寫照，又是其苦難生命體驗的縮影，體現了他人生全部的理想、熱情、痛苦和掙扎。
此外，梵高還經常運用對比強烈的互補色作畫。《夜間咖啡館》《星?月?夜》《烏鴉群飛的麥田》等皆體現了某種恐怖、不安的心理暗示和與命運搏斗、抗爭的精神力量。
表現主義藝術的國際先驅者、挪威畫家愛德華?蒙克也是一位用靈魂作畫的藝術家。蒙克常常通過畫面中強烈的、充滿主觀情感的色彩來表現內心深處的痛苦和郁悶，將自己的生命體驗融入在血紅和黑色的斗爭之中，從而獲得精神上的慰藉。正如美國藝術評論家約翰?拉塞爾在《現代藝術的意義》中所說：“蒙克在色彩的運用上給我們上了一課，不僅如此，他還教導我們要熱愛自己的經歷而不要害怕它。”②
現代藝術大師、野獸派領軍人物亨利?馬蒂斯把色彩的表現力發揮到了極致，這些豐滿、充滿個性的色彩是藝術家“對生活的提煉，而不是對生活的模仿”“對于色彩誰也沒有他懂得多。因此他所說的話對我們影響很大，還有他所描繪的大變革現在看來是不可避免的”。③
在這些“色彩專家”中，還有一位不能不提，他就是抽象派藝術大師瓦西里?康定斯基。在繪畫中，他把“調色板上色彩的感覺變成各種心靈的體驗”④，力圖“觸及人類的靈魂”。同時，康定斯基相信色彩有其獨特的生命意義。例如，他在1910年寫的《論藝術的精神》一書中認為，黃色是人類的世俗，代表著大地；藍色是天空色，代表著高貴和升華；綠色是平靜、自我的滿足；紅色與綠色相對，它是前進運動的力量；紫色意味著衰敗和枯謝；強烈的黃色象征著活潑好斗；橘黃色像教堂的鐘聲一樣清脆響亮；白色代表著一種虛無，猶如生命出現之前的冰河時期；黑色則意味著死亡，是無生命的沉寂……
西方現代派藝術大師精彩的色彩觀體現出獨特的人文關懷和魅力，是藝術家自我表現意識覺醒的象征。
三、色彩包含的跨文化因素――拓展色彩的文化張力
隨著時代的發展，藝術創作中色彩的跨文化性研究越來越受到重視，這對于發掘色彩內涵、拓展色彩的文化張力具有重要意義。關于色彩的跨文化性因素，筆者認為，可以從以下幾點窺視。
（一）色彩體現科技含量。人類對色彩的認識經歷了從“無法”到“有法”再到“無法”的跨越。伴隨著西方第二次科技浪潮的洗禮，光學、色彩學的進一步發展促進了印象主義、新印象主義藝術的生成；各種色彩理論體系的建立和對“原色”與“補色”關系的研究使藝術創作有時更像是一場科學試驗；照相、攝影技術的出現使藝術家面臨前所未有的憂患感，進而催生了表現主義、抽象主義藝術的發展……這一切都顯示了色彩與科技的相互影響、融合。
（二）色彩包含宗教內涵。眾所周知，在人類的文化史中，藝術與宗教幾乎是同時出現并緊密聯系的。色彩在宗教藝術、宗教儀式及巫術、神學活動中起到重要作用。如早在原始社會的祭祀、巫術禮儀活動中，原始人就用紅色、土黃等強烈色調涂抹身體和祭祀物品。原始人認為紅色是血與火的代表，象征生命和溫暖；黃色則是土地的象征，象征歸于塵土的樸素想法。在歐洲中世紀藝術中，色彩斑斕的教堂彩色天窗給人以更接近天堂的宗教冥想。
（三）色彩輔助心理治療。色彩能夠作用于人的生理及心理已經成為不爭的事實。人們通過實驗發現“按照藍色、綠色、黃色、橙色、紅色的順序照射被試者的時候，被試者的肌肉彈力顯示出增強的趨勢，同時，被試者的脈搏也會相應的增強”⑤。這就說明亮度強、飽和度高、振動波長較長的顏色如紅色、明黃色等能夠令人興奮；相反則會讓人產生舒緩或者抑郁的心理變化。隨著時代的發展，將藝術引入心理學及醫學的治療，已經成為一種新型的治療方式，并催生了“藝術治療學”的發展。色彩在藝術治療中起的作用也日益受到人們重視。例如讓小腦受損、平衡感破壞的病人穿上綠色衣服輔助治療其頭暈、走路失衡的癥狀。色彩具有的心理學暗示也在生活的方方面面發生著作用，如人們常常在餐廳懸掛些色彩明快的藝術作品，起到促進食欲作用；早教課堂上，給嬰幼兒更多的色彩刺激，以促進嬰幼兒大腦神經的發育等。
可見，色彩體現出的跨文化性內涵使人們對色彩有了更為全面的認識，拓展了色彩的文化張力。
最后，讓我們用約翰?拉斯金對色彩的精妙描述體味色彩的文化內涵。“色彩能在人心中喚起永恒的慰藉與歡樂；色彩在最珍貴的作品中、最馳名的符號中、最完美的印章上大放光芒。”⑥
注釋：
①②③約翰?拉塞爾.現代藝術的意義[M].北京：中國人民大學出版社，2003：30，62，31.
④畢加索，等.現代藝術大師論藝術[C].北京：中國人民大學出版社，2003：84.
⑤魯道夫?阿恩海姆.藝術與視知覺[M].長沙：湖南美術出版社，2008：307.
關鍵詞：人像攝影;色彩;藝術;美術
一、人像繪畫中色彩的藝術性研究
（一）中國傳統人像繪畫中的審美觀念
顧愷之在《論畫》中提到一個重要觀點－“以形寫神”，“形”指線條勾勒，“神”指人的神采風韻，即畫家要通過人物外形的勾勒表現人物的內在特征。為了更生動地展現人物內在性格和神韻，人物畫對色彩的運用也是十分講究的：第一，人像繪畫中色彩的應用包含多種文化理念，從中國古典繪畫可以看出中國古代儒家文化對人像細節的刻畫和莊重色彩的運用，突出了受儒家文化熏陶的人物端莊氣質和儒雅性格，所以其色彩的運用包含文化的藝術性。第二，人像繪畫體現出傳統的哲學思想。我們可以從人像繪畫的色彩運用中感受到畫家的主觀情緒，畫家往往采用以意賦色等手法，運用色彩來增加藝術表現力。在色彩的應用上，人像繪畫除了色彩和線條的搭配之外，還用色彩勾勒出背景和意境氛圍，使人物能夠完美的和背景融合，體現了我國古代融情于景的藝術表達方式，追求的是人物色彩的和諧之美。
（二）繪畫中色彩藝術性對人像攝影的借鑒
首先，色彩能夠給人帶來直觀地感受，利用色彩，可以讓人物情緒的表達更為豐富。現代攝影師對色彩的應用已經不滿足于傳統的應用，逐漸拓展出新的使用手段，在借助人物服飾、妝容等色彩的搭配和背景環境色彩的搭配上，逐漸有了人物繪畫中對色彩運用的體現即突出色彩和環境的融合，表現出人物繪畫中追求的和諧之美。另一方面，在追求色彩和諧的同時，也會運用強烈的反差對比來突出人物的性格和攝影的主體，通過夸張顏色的服飾和發色的對比，甚至用鮮艷色彩的人像和黑白背景的對比來突出某些人像的特點，這些也是色彩在人像攝影中的應用，突破了傳統攝影講究對色彩的和諧應用，這也是一種風格鮮明的藝術特征。一些寫實風格的人像攝影對于普通大眾來說反而沒那么有吸引力，因為在中國傳統藝術風格中，從不把寫實當作美，這與西方的強調寫實藝術相悖。在人像攝影中攝影師可以將色彩進行合理的搭配使畫面協調，甚至可以利用色彩賦予畫面新的感覺，從而創造出富有藝術價值的作品，增加視覺效果和美感。
二、色彩在人像攝影中的重要性
（一）色彩可以提升畫面效果
豐富的色彩搭配，不僅包括背景的主色調，還包括周圍一切襯托物件的顏色、人物服裝色彩、裝飾顏色、妝容的搭配和人物表情、動作的結合等。比如在對模特的拍攝中可以搭配亮色眼影配合模特夸張的表情來增加藝術表現力，提升視覺觀賞性，達到攝影師想要的畫面效果。比如可以用互補色、對比色等來布置背景環境，營造一種氛圍，比如暗黑鬼魅、深邃典雅、清新明媚等。
（二）色彩可以塑造人物性格
合理運用色彩的明暗冷暖搭配可以塑造出人物不同的性格特征。比如當人物需要表達高貴時可以運用金色打底，并配合柔光襯托出人物高貴的特征。又比如需要表達女孩子陽光可愛、青春活潑的性格，可以選用粉色、黃色等明麗青春的顏色作為人物的衣著色彩，將綠色等有活力的顏色作為背景的色調，通過合理的搭配使用，可以將女孩的性格特征完美的塑造出來。
（三）色彩可以凸顯拍攝主題
通過人像攝影中色彩的合理搭配凸顯出拍攝的主題是每一個攝影師必須掌握的技能。人們對于色彩的運用，在生活中也有許多例子，比如用大紅色來表達節日的喜慶，當逢年過節的時候，人們運用不同造型的窗花服飾，搭配大紅的色彩，可以很好的表達節日的喜慶和人們的幸福感。而攝影師也可以根據色彩的運用來突出攝影的主題風格。結合拍攝對象的客觀條件和性格特征，根據藝術價值的體現選用不同的顏色，并不一定要還原人物本來的色彩搭配，可以根據需要表達的藝術特征選用不一樣的顏色，反而能夠增加人像攝影的藝術美感，而不僅僅是所見即所得的寫實風格。
三、色彩的修養
大部分情況下，色彩的變化能夠更加直接的影像到作品的情緒表達。如何運用色彩將人像攝影變得更有藝術性，而不純粹是還原原本狀態的寫實作品呢？一方面，攝影師可以利用白平衡設置或者后期軟件增強冷暖對比。每種不同顏色可以使觀賞者產生不同的感覺，對于攝影師來說就是需要傳達的藝術意識，通過增加不同色彩的對比來增加作品的視覺表現力。冷暖對比是最為普遍的一種運用手法，通過對冷色調和暖色調的對比，將人像在對比反差中突出來，吸引觀賞者的眼光。另一方面，還可以改變色彩的飽和度、明度、色相。色彩明暗對比可以顯示出作品的層次感。攝影師在人像拍攝中常用一種顏色的漸變，或者采用多種顏色的亮度搭配來滿足需求。色彩高調的明暗對比可以突出愉快的感覺，使觀賞者心情放松，而采用低調的顏色對比則讓人感覺沉穩，通過對不同色彩的搭配使用來體現藝術性。
結語
色彩的合理應用不僅在人像繪畫中有重要的作用，同時對人像攝影也有很重要的借鑒意義，色彩的良好應用是人像攝影作品藝術性體現的基礎。將繪畫中的色彩運用手法借鑒到人像攝影中，會帶來意想不到的藝術表現力。當攝影師合理地運用色彩而不是僅僅只是還原人像本身的顏色時，就體現了攝影師對藝術的進一步追求。攝影的學習者應該掌握色彩搭配原理，利用色彩創作出令自己滿意的作品，從而達到更高的藝術造詣。
關鍵詞：自然色彩；藝術
1自然韻律的美為設計開辟新途徑
1.1藝術將進入與自然的聯盟時代
古代人看來大自然是智慧的源泉，是萬物的母親，所以中國古代便有天人合一的說法。但到了近代，隨著生產力的發展，工業社會成了一個把世界拆零了的時代，現代科學的發展，使人們意識到該是結束這種局面的時候了，則進入了一個把拆零了的世界重新組裝的時代，建立人與自然的聯盟以及藝術與自然的聯盟時代。
美國匹茲堡藝術學院安吉洛·西奧堤教授的作品正是這一時代的體現，他的作品大多追求一種史前的原始風格，他認為這是最接近自然本色的一種藝術形式。在他的作品中，常看到大小參差不一的金字塔般長滿植被的土堆，還有原始洞穴般的建筑物。通過他的設計，原先雜亂無章的廢墟，變成了別出心裁，具有藝術情調的綠郁蔥蔥的休息勝地。其目的就是讓人和自然融合在一起，追求人類和大自然最初的那種感情。
安吉洛·西奧堤教授說，畫家是用筆來繪畫，而他是用植被表達自己的藝術思維，達到所追求的藝術效果。這些植被是大自然賦于人類最美最豐富的色彩。他的藝術行為給人類生存的空間環境帶來了清潔、帶來了美麗、帶來了藝術，同時也給我們開辟了一個新的、廣闊的藝術創作領域。
1.2自然韻律的美為包裝設計開辟了新途徑
在科技高度發達的當今，現代包裝設計的觀念和理論已日趨完善，但各國的設計家對新形態、新技術是使用材質和處理手法的發展，自然韻律也就是從材質和處理手法上更直接地運用大自然本身的美。
時下，“返璞歸真”已成為人們的新追求，時裝、飲食都已成為先例，自然韻律的美為包裝設計也同樣開辟途徑。四川美術學院裝璜環藝系的一組包裝設計就是很好的實例，他們用竹筒包裝了調料，用木盒包裝了山貨，竹皮編成小簍包裝了大棗，給人一種親切的自然美。
2肌理美在包裝設計中的運用
肌理，書面語言原指生物體表面，皮膚羽毛紋理而言。飛禽走獸斑斕美麗的皮毛，花草樹木的花紋、年輪等天然紋理。
2.1肌理美是大自然的杰作
大自然的美，大自然的紋理美是早在人文之實已被人類發現，并運用在各個歷史時期的文化及民間藝術出現拍打泥坯成型規整的拍打紋、繩索紋等條狀、點狀肌理，這種無意的制作，卻流露出大自然的美，至于古老絲綢、民間的編織物、玉器、金銀器皿等實用品色彩紛呈的人工肌理美，無處不在美化人類生活。到了近代，隨著藝術觀念更新，石木紋理、刀法鑿痕、水印油漬、噴滴熏灸等藝術肌理早已突破了“筆是唯一的繪畫工具”的傳統，這些形式各異的工藝技法，令人耳目一新。
2.2肌理的包裝設計運用的基本規律及其獨特意義
肌理美作為一種形式美，運用于包裝設計中，如：即產品形象、商品特色、銷售地區、消費對象、設計定位為出發點，或選取自然肌理，或設計人工肌理，這都應由設計者對產品研究調查后來決定。
包裝肌理以不同的形式出現，就產生不同的意境、不同的趣味，它的運用正好與千奇百怪的商品相匹配，相得益彰。
(1)肌理美，肌理效果在包裝中巧妙運用，是刪繁就簡、快捷精練地傳達信息的促銷手段，其中以群體出現的展示商標(或標志或文字)的肌理美，強烈的裝飾效果，深刻的記憶力、沖擊力，為創名牌創造了條件。如今充滿各個大小商店的懸掛pop廣告，整體上看重復出現的文字，商標產生一種肌理，使人們增強了對產品的印象，從而促進了產品的銷售。
(2)肌理美與肌理效果不是單純附于造型表面的飾物。明快質樸的肌理有利于突出牌號、名稱，肌理本身有耐人尋味的意境，遠觀、色調和諧統一。對主題：有紅花靠綠葉扶持之功；近觀，肌理之美溢于言表。使得一件貌似敦樸，簡練明快平常的包裝產生“有東西，耐端詳”的藝術效果。
被譽為日本現代玻璃工藝先驅者的藤田喬平，設計的一個首飾盒《海之彩》正是一件“有東西，耐端詳”的藝術品。從一個小小的盒面，讓人看到了大海那容納百川的氣勢，更感到浮動藻類形成的那種自然肌理的美。
(3)借助于肌理的包裝畫面上的空間作用，可十分容易地調整形象、主次空間層次、色彩關系，一掃過去盲目地在畫面上堆砌形象干擾視覺的弊病。
(4)肌理美與肌理效果本身蘊藏的秩序，勻稱、韻律、節奏反映了大自然中普遍存在的和諧與大自然的奇險之美。“對偉大的藝術家來說，自然界的一切都蘊藏著獨特的性格”(羅丹)。人工肌理、設計肌理反映出的音樂美、幾何學的比例美有助于包裝設計的現代感。諸如亞里斯多德指出：“美的主要形式是秩序、勻稱與明確”。恰當而巧妙地設計肌理，運用肌理美與肌理效果，會凈化包裝畫面擯除其形象上的堆砌、瑣碎與零亂，獲得包裝物體形象的一次開花。
3自然色彩在包裝設計中的運用
色彩是作為人類的一種共同語言而存在著，在大自然的色彩中，有很多的經驗直接影響著人對色彩的感覺，如橙色在自然界的包裝代表有橘子，多用于食品類的包裝上；紫色在自然界的包裝代表是茄子，神秘、高貴的印象使其常用于女性化妝品上；靈感來自于藍天、大海、藍色寧靜、清爽、冰涼的印象使其都用于藥品及冷凍食品上。
4自然韻律的運用
4.1品牌上自然氣息的流露
關于飾品的包裝，包括頭飾、胸飾、鈕扣等，取名“氏族”，一來代表其品種多，二來讓人感到一種最原始的自然氣息。
4.2肌理上自然韻律的運用
通過市場調查，發現飾品多數都被擱置在小塑料袋中，簡單的放在一起，與其價值很不相符，于是選用了盒飾，提高了其自身價值。盒子用純天然木質結構，用其木紋的自然肌理，傳達飾品的自然美效果；有采用木盒結構，用人工木紋肌理做其裝飾紋樣，配以深褐色底蓋，再加上銀色裝飾，使得沉穩、大方。完成后加上精致小巧的標志，恰似萬綠叢中一點紅，突出了主題。雖然沒有過多的文字說明，但那份精巧，會讓人對產品產生無盡的聯想，你一定擋不住它的誘惑!
4.3色彩上自然韻律的運用
黃色在自然界中包裝代表是香蕉。它有一種光感，給人留下光明、輝煌、燦爛、輕快、柔和、純潔和充滿希望的印象。皇室的運用加強了崇高、智慧、神秘、華貴、威嚴和慈祥的感覺。在設計中為了達到一種樸實、豐厚、自然的效果，也為了配合那種純天然的木質肌理便采用了黃色做基調，再加上具有高級感的黑色(文字和標志)以及優雅的銀色做點綴，增強了其表達效果。:
4.4材質上
時下正流行粗糧細做，受其啟發，選用純天然產物——高粱桿制作了一組中高檔裝飾品包裝。用大針將其固定在鏤空的泡沫板上，外表包裝自然，內在飾品典雅，體現了自然韻律的獨特之美。天然、人工木紋肌理和大自然的產物(色彩、材質)相結合，構成一系列中高檔飾品的包裝。
